范勃似乎不太相信人和人之间的交流。他有时在同一张画面上画出几个人物，但是，这几个人物完全没有对话。在《园子之二》中，范勃画出了七个人物和四只狗，范勃非常在意这些人和人之间的距离（有一个人和一只狗距离他人非常远，以至于容易被忽视掉），在画面上，人和人的空间距离各不相同，有近有远，但是，他们的心理距离却都一样遥远，这些人物完全没有交流。他们各自沉浸在自己的世界中，各自看着不同的方向，即便近在咫尺，他们也远隔千里。范勃画出了一个特殊的共同体。一个身体共同体，但这也是一个不可能的共同体――身体无论如何接近，每个人都是一个孤岛。这是一个充满悖论的孤独共同体。在《不尽的黄昏》中，这点更加明显，画面中的人物距离更接近，他们甚至拥挤在一起，甚至成为一个身体“团伙”，但是，每个人和每个人之间还是没有关联，人们甚至闭上了眼睛，关闭了自己和外在世界的联系。仿佛只有一个自我的内在世界，人们存活于世，只能是以孤独的个体方式存活于世――即便被众人所推搡，所包围，所拉扯。范勃如此地强调人和人的不可交流性，以至于他常常画出闭上眼睛的人，或者说，他常常有意将眼睛画得模糊，仿佛闭上了眼睛，也可以说，他常常将睁开的眼睛画得像闭上了一样。在《夏至》、《不尽的黄昏》和《某日黄昏，房子里的问题》中都是如此。《坐着的女裸体》中几乎将眼睛忽略了。而《站着的男人体》干脆没有面容。眼睛一旦闭上，外部世界的光就向人们关闭了，孤独的昏暗扑面而来，这既是画面的昏暗也是人物内心的昏暗。也可以说，世界的昏暗和个体内心的昏暗，它们彼此呼应，彼此作为对方的背景，作为对方的原因和结果。每个人都沉浸在这种昏暗的大背景中――因此变得更加昏暗。范勃的那些“黄昏”绘画，更像是昏暗绘画。
一般而言，关于人物的绘画总是试图用眼睛来表现人物，目光总是能够最恰当地透视出内心世界，人们总是首先通过目光来观看人物。但是，目光一旦被关闭，人物在很大程度上就失去了自身的表现力。因此，范勃总是试图用姿态来表现人物。一旦在姿态上全力以赴，就会获得雕塑或者舞台剧的效果。范勃的绘画同时具有强烈的雕塑感和戏剧姿态。

范勃的许多作品，就是将人物处理得像是雕塑人物，仿佛是对着雕塑的写生。人物有确定无疑的姿态，但这些姿态是不动的，非常稳靠，非常牢固，而且，它们像是由泥土一般的灰暗材料所构成。人物犹如一种固体物质。他们轮廓硬朗，衣着僵硬，似乎不能为风所动，无论是衣着还是面容，都呈现出多样的斑驳色块，像是被一刀一刀地切削而成。这些硬朗的人物总是抹去了自身的血肉感，抹去了气息、呼吸和心跳。这是人，同时也是没有肉的物，是一种僵硬的有重量的固体物。这是范勃的一种特殊能力：他把人画得非常具体而逼真，同时又把这具体逼真的人画得又非常不逼真――我们要说――画得像物，像非人一样；也就是说，他把人画得很活，但又把这活人画得很死。范勃的悖论在于，总是要把一个活人画得像一个死人，同时，也要把一个死人画得像一个活人――那些雕塑般的人物，难道不是我们最活生生的状态？今天不是有那么多的活人如同死人一般活着？活着难道不是一种僵死的状态？日常生活难道不是一种刻板的濒死生活？

这是范勃非常有意思的地方――目前流行的艺术趋势是，艺术家常常将自己的画布上的生动人物做成雕塑，而范勃则直接在画面上画出雕塑的效果。他故意地采用了雕塑的形式，人物的面孔和眼珠都很模糊，范勃像是在画雕塑，像是在对着雕塑写生。绘画中的人物一旦成为雕塑般的人物，一旦成为物化的人物，将会出现什么样的效果？显然，人们在这样的雕塑姿态中总是能看到某种麻木，无奈，冷漠，孤独，枯竭，衰败，无能甚至死亡。他们好像被冻住了，凝固了，人们没有看到生机勃勃的动物性，没有看到生命的意志和激情，没有看到跳跃和轻盈。

这基本上是范勃的绘画人物的共同特征。虽然他在部分作品中画出了人的眼睛，画出了人的内在性。但这些人物仍旧处在一种滞重的状态，毫不欢快。这是相反的通过目光来表现的。在《沉思的人》和《黑色星期五》中，目光出现了，而且得到了强调。在此，范勃试图勾勒出某个男人的存在状态。《黑色星期五》中，通过将手放在脸部，遮住一只眼睛，将两只眼睛对照起来，从而将画面的焦点集中在眼睛的区域，两只眼睛――一只遮蔽的眼睛和一只敞开的眼睛――同时成为画面的中心。而《沉思的人》中的眼睛则直接位于画面的正中间，整个人物的空间构造都是以眼睛来组织自身的。在这类绘画中，眼睛得到了慎重的对待。但是，正如那些有意将目光隐藏起来的绘画一样，这些可以通过目光来展示人物内在世界的绘画，同样表现了范勃对孤独的敏感。目光泄露了孤独。在范勃这里，无论是闭上眼睛，还是睁开眼睛，无论是一个人独处，还是两个人共处（《男·女》系列），还是置身于一群人之间，孤独总是人物最恰当的状态。这世界的舞台，唯有孤独。每个人都是一个与他人无关的原子，结果，他们要么以烟为伴，要么以狗为伴――范勃常常将男人手里的道具画成烟或者画成狗。